L’Iconografia (dal greco eikón, “immagine”, e graphìa, “scrittura”) è una disciplina della Storia dell’Arte e dell’Archeologia che individua pose, gesti e abiti dei soggetti rappresentati, insieme a oggetti, animali e piante che li caratterizzano. La personale Iconographies; Tiny Resistance, Crevices and Other Creatures dell’artista Elena Adamou (Nicosia, Cipro, 1991) compie invece un capovolgimento nel rapporto con gli “oggetti naturali”: al centro di un profondo lavoro di osservazione e di ricerca, troviamo un erbario iconografico di piccole piante la cui esistenza non si riconosce nell’essere corollario funzionale ad alcuna presenza umana.
Quella di Adamou con la Natura, che si riflette nella natura stessa della sua pratica, è una relazione intima con la percezione del tempo come presenza interiore che dà il ritmo alla migrazione e al flusso peregrino delle sue idee. Pertanto, in questo rapporto che mette sullo stesso piano dialogico processi umani e naturali, l’artista passa dal “cosa” al “chi” e ritrae, ormai elevate a soggetti, piante spontanee ed endemiche del Mediterraneo che raccontano storie di autonomia e indipendenza, cresciute tra aride fessure e angoli nascosti lasciati incolti dagli stratificati processi dell’urbanizzazione moderna. Le immagini e le diverse soluzioni narrative scelte per la mostra presentano una varietà di specie all’interno di queste due sole categorie senza intenti di catalogazione, ma mettendone in evidenza una statura che le rende creature mistiche e mitologiche insieme, le cui posture sono vere e proprie forme di resistenza creativa. 
L’attitudine sacrale, quasi regale, che le piante assumono nella sapiente e raffinata veste che Adamou cuce per loro attraverso il ricamo, la fotografia e l’installazione site-specific, è un chiaro invito alla contemplazione, un atto meditativo che include in un’unica visione d’insieme l’oggetto osservato e chi osserva invertendone i ruoli: l’oggetto osservato con intensità diviene soggetto che non ha bisogno del nostro sguardo per esistere, scoprendo così una realtà che ci precede, una natura che vede e prevede di stare e restare in mezzo alle crepe della nostra esistenza.

Erica Romano

Elena Adamou (nata nel 1991) vive e lavora a Nicosia. Si è laureata in Pittura presso l’Accademia di
Belle Arti di Brera a Milano, dove ha conseguito anche un master in Design del Costume. Ha lavorato a Milano come artista, performer e tecnica di laboratorio tessile fino al 2021, quando è tornata a vivere a Cipro.
Il suo lavoro ruota attorno alla dimensione intima del “passare del tempo” e alla resistenza degli esseri vulnerabili.
Analizza le connessioni tra il tempo e il corpo, il sé e gli oggetti personali, e la nozione di appartenenza all’interno di spazi familiari e non-luoghi. Percepisce l’origine non solo come uno stigma nativo
legato al luogo di nascita, ma anche come un pretesto per approfondire un’analisi del contesto sociale. È interessata a trovare connessioni tra ciò che definiamo “spazi sicuri” – ambienti in cui ci sentiamo al sicuro per esprimerci liberamente. Lavora con il ricamo, le manipolazioni tessili, le installazioni e il video.

Ενεργειακά Τοπία _ spazi energetici
Il titolo della mostra, Ενεργειακά Τοπία, introduce una riflessione sul paesaggio come campo di intensità e percezione.
Il lavoro nasce da un’esperienza diretta della natura, restituita come condensazione di energie, memorie e stati percettivi.
I dipinti si sviluppano attraverso composizioni che uniscono frammenti di paesaggi osservati e studiati, dando origine a spazi che non esistono ma che risultano familiari. Ambienti sospesi tra presenza e assenza, tra densità e rarefazione.
Il colore accade, manifestandosi come materia, intensità, presenza che si deposita e si espande nello spazio pittorico.
La pratica si confronta con una sensibilità affine alle tradizioni visive orientali, in cui il vuoto
assume una funzione strutturale.
Le zone rarefatte attivano: sono spazi di sospensione e possibilità, in cui l’immagine resta instabile, attraversabile.
In questo contesto, lo sguardo entra in relazione, muovendosi all’interno dell’immagine e sostando in uno stato di attenzione e sospensione. La pittura diventa una soglia: un luogo di passaggio tra visibile e percepito, tra esperienza e memoria.

Pantelis Nicolaou è un artista cipriota che vive e lavora a Nicosia.
Dopo la laurea all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, ha proseguito gli studi a Firenze, nel campo del restauro pittorico.
La sua pratica si sviluppa attorno alla pittura come campo aperto, in cui immagini e forme emergono attraverso processi di accumulo, variazione e slittamento.
Il colore assume un ruolo centrale come agente attivo e generativo; percorre la superficie, strutturando l’immagine attraverso stratificazioni, ripetizioni e modulazioni. Ne risultano configurazioni instabili, sospese tra costruzione e dissoluzione, tra riconoscibilità e perdita di forma.
Parallelamente insegna e conduce il proprio atelier nella città vecchia di Nicosia. Ha esposto a Cipro e all’estero, tra cui l’Armenian Center for Contemporary Experimental Art (Yerevan, 2024), il CVAR (Nicosia, 2023), la Biennale Internazionale di Pittura in Moldova (2021) e la Biennale di Larnaca (2018).

L'intreccio come percorso sostenibile.
Ripetute legature di resti e scarti, sapienze di trame antiche che confrontano il lusso del confort, l'idea di bellezza e il valore della necessità.
Il nodo è un bisogno: una condizione interna attorno alla quale si organizza un organismo, una situazione, la società. E l'intreccio siamo noi che facciamo il mondo.
Le mani di Doro riscoprono e propongono possibili strutture di senso, semplici oggetti di uso comune, opere d'arte e la gioia di creare insieme.

Coming home

Il lavoro di Alexander pretende salvezza.

La tregua tra le battaglie
nella riesumazione
di un passato avvolto da inscenata morbidezza.

Coming home, coming out

l’acrobatica evoluzione del ritorno, spoliati
di chi si e’, in offerta al Dio che accusiamo di abbandono
e il cui Amore interroghiamo.

Intimi frammenti di se’,
l’artista ricrea il luogo dell’Anima in cui si e’ sentito al sicuro,
moltiplicando l’abbraccio perduto

nel futuro ricordo dello spettatore.
Uno stringersi alla pelle
che da noi vuole staccarsi.

E intanto, come avesse un dove, ci invita
incredulo a scrivere
al Padre.

Tutto si tramuta,
in preghiera.

Sirius Alexander Venus Rose, nasce nel ‘97 a Pescara. È un artista concettuale e performer
transgender, il cui lavoro si incentra sul proprio percorso di transizione e l’utilizzo dell’alchimia per creare riti con l’obiettivo di scoprire se stesso.
Alla conquista di un nome, di un corpo, di un volto, alla ricerca della perfezione: Essere un Uomo non basta più.

Il suo lavoro è stato esposto presso: Santa Chiara - Premio Sulmona, Sulmona(2025);
Fondazione La Rocca, Pescara(2025); Gheddo, Torino(2025); Aurum, Pescara(2024);
ContestoLab, Pescara(2024); Unpae, Roccacaramanico(2024); Adiacenze, Bologna(2022).

Per fortuna è una notte di luna / Luckily, it’s a moonlit night; il titolo, citazione dall’aria Che gelida manina della Bohème di Puccini, diventa il punto di partenza simbolico di questa mostra, evocando (omaggiando) le vite di stenti che artisti di ogni tempo hanno attraversato in un evanescente paesaggio bohémien immaginato, un ambiente domestico illuminato dalla luce lunare dove, all’ombra, una figura ricama, pensa, lavora.

La mostra nasce dalla necessità di capovolgere la percezione dello spazio urbano e la dimensione domestica mettendo in relazione la vita interiore con lo spazio esterno. Attraverso un mash-up di elementi architettonici, Francesco indaga la possibilità di sentire uno spazio intimo al di fuori dei confini della casa, come se l’interno potesse espandersi, traboccare e proiettare la propria carica affettiva nel mondo.

La casa diventa così un dispositivo di rappresentazione: una membrana in cui si stratificano proiezioni personali, memorie incarnate e immagini rudimentali consumate, ripetute.

Tra gli oggetti domestici si intrecciano elementi tecnologici costruiti a partire da oggetti analogici: ibridi che rimandano all’estetica dell’automata; ad un mondo pre-tecnologico che si innesta nel domestico e nel nostro quotidiano digitale. Gli automata, primi oggetti tecnologici in cui poesia, scienza, arte e tecnica convivono, incarnano un composto tecnologico che integra elementi meccanici reali, evocando un mondo pre-software in cui possono vivere tecnologia e poesia.

Gli oggetti che compongono la mostra – nati a partire da queste e altre suggestioni – ricreano un’atmosfera al tempo stesso familiare e straniante di affettività tra esseri umani e cose.
Simboli, elementi reali e manufatti che convivono senza gerarchie. Il comignolo diventa un totem degli ultimi giorni di dicembre, quando la luce lunare si abbatte sui tetti e scivola all’interno, insinuandosi tra le pieghe del sonno. Agendo in modo trasformativo sullo spazio della casa, gli oggetti ne rinegoziano la percezione fisica in cui si intrecciano vita quotidiana e vita immaginata.

La luce – lunare, obliqua, filtrante – torna a essere un elemento attivo. Entra, attraversa, altera.


Questo progetto nasce grazie all’ospitalità di Martina e dalla stretta convivenza - a fasi alterne dal 2022 - di Francesco e Alessia sotto lo stesso tetto.

Alessia delli Rocioli


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L'evento è sostenuto dall'organizzazione non-profit Campo Ife e realizzato grazie alla collaborazione con tre importanti realtà locali: Orti Geometrici, Mercato del Pane e Amorotti.
Durante l'inaugurazione sarà possibile assaggiare
la Kombucha (bevanda analcolica a base di infusi fermentati) di Orti Geometrici, pane e rustici di Mercato del Pane e il vino rosso della Cantina Amorotti.

Francesco Alberico (Pescara, 1996), ha studiato presso l’Accademia di Belle Arti di L’Aquila ed il
St.Mbaaga Major Seminary di Kampala (Uganda). È dottorando in Visual Arts and Creative Practices
all’interno del programma nazionale DIN dell’Accademia di Belle Arti di Napoli. La sua ricerca si
muove tra scultura, performance e disegno, incentrandosi sulla relazione tra immaginazione e
spazi pubblici. È tra i 10 vincitori del Premio AccadeMibac, promosso dal MiBAC e dalla Fondazione
La Quadriennale di Roma (2019). Ha partecipato a numerose mostre in spazi indipendenti, gallerie
private e musei pubblici tra cui: Utopia Feeling Feeding Utopia, Eukaryote, Tokyo (2025), Fino a
tardi, Galleria LABS Contemporary Art, Bologna (2022), The Blind Leading The Blind, Galleria
Monitor Pereto (2021), Domani, qui, oggi, Palazzo delle Espozioni, Roma (2020), Becoming a River:
Liquid Disasters and Speculative Stories, summerschool presso l’Istituto Svizzero di Roma (2019).

Band tedesca che debutta nel 2014, blind&lame sono Gika e Lucy Wilke, madre e figlia.
Autentiche e appassionate, nella loro musica uniscono pop moderno con chitarra ad elementi di rumba gitana, swing e soul, trasportando il pubblico in un viaggio crossover attraverso il mondo.

Nel domani riponiamo le nostre speranze, la promessa di un ricongiungimento, del ritorno.
Ricercando nelle radici, Sara reinterpreta strategie per sostenere la memoria ed abitare tempo e spazio tra ciò che è stato e ciò che verrà.

la Kangina è un’antica tecnica afgana utilizzata per preservare frutta fresca, in particolare uva, in contenitori di fango e paglia sigillati di modo che un perfetto livello di umidità venga mantenuto e la freschezza del frutto garantita per mesi.

Sara reinterpreta queste strutture utilizzando i materiali del territorio e aggiungendo elementi scultorei che si rifanno al mondo vegetale ed animale: spine che ne evidenziano la natura organica e la funzione protettiva.

Qualcosa del passato è preservato e trasportato in un tempo sospeso: si materializza una poetica dell’attesa e del latente, di ciò che esiste e nel buio è conservato. Solo attraverso una rottura, in un presente futuro, si potrà verificare l’efficacia dell’intento e gustarne il contenuto.

Qualcosa si trasforma, fermenta, a supporto del sistema digestivo, il "secondo cervello", quello in grado di processare le emozioni. Piccole fiale di vetro soffiato, riempite di aceti creati a partire da frutta fermentata.
Dischi gelatinosi di microorganismi vivi, lasciati seccare su un vassoio di terra: qualcosa muore, a completamento di un trasformativo atto di cura.

Diciamo domani per non dire mai.


La mostra è stata realizzata grazie alla collaborazione con due importanti realtà locali:
Orti Geometrici, che ha fornito gli SCOBY di Kombucha e frutti e bacche per la realizzazione degli aceti fermentati,
e Pollinaria, che ha messo a disposizione paglia per sculture e l'uva, custodita al loro interno.

Sara Mayoral Jiménez (Madrid, 1993) ha conseguito una laurea in Belle Arti presso l'Universidad Complutense de Madrid e l'Akademie der Bildenden Künste di Monaco di Baviera.
La sua pratica artistica esplora la mortalità come forza generativa, che plasma il modo in cui sentiamo, ricordiamo e interagiamo. La morte non è rappresentata, ma resa presente attraverso materiali e processi che decadono, si trasformano e persistono.
Lavorando con l'argilla, la materia organica, il video e tecniche basate sulla fermentazione, crea installazioni che invitano alla lentezza, all'intimità e all'attenzione incarnata. Le sue opere nascono spesso da ciò che è vicino: gesti quotidiani, conoscenze ancestrali e paesaggi mutevoli.
In questi spazi, la bellezza diventa una forma di resistenza, una strategia per trattenere ciò che altrimenti sarebbe insopportabile.

https://www.smayoral.com/

In Recipienti, Riccardo Buck esplora il recipiente non solo come contenitore fisico, ma come spazio concettuale ed emotivo: uno spazio che riceve, contiene e trattiene. Attraverso cesti intrecciati a mano, una serie di autoritratti e dipinti batik, la mostra esamina le forme che trasportano memoria, gesto, intimità e silenzio.

I 15 cesti intrecciati a mano richiamano un'antica memoria collettiva: il bisogno umano di raccogliere, preservare e dare forma all'informe. Ogni cesto funziona come un contenitore: un'architettura silenziosa costruita per contenere, ma anche per portare un significato nel tempo. È un gesto verso l'utilità, ma anche una testimonianza della durata. Le mani ripetono gesti radicati nella memoria culturale. Tessere, secondo Buck, è un atto di attenzione prolungata, che rallenta la percezione e lega la mente al corpo. Qui, storia e soggettività non vengono raccontate, ma intrecciate, filo per filo, nella struttura stessa del contenitore.

I 55 autoritratti di Buck, disegnati dal vero davanti a uno specchio, fungono da un altro tipo di contenitore: il volto come contenitore di identità, percezione e tempo mutevoli. Questi disegni riguardano meno la rappresentazione che la presenza. La ripetizione del sé diventa un esercizio di guardare ed essere guardati. Ogni iterazione è un momento trattenuto, registrato e poi attraversato.

Nello spazio espositivo, uno specchio e un tappeto invitano i visitatori a sedersi, riflettere e partecipare allo stesso processo. Questo gesto apre un sottile dialogo tra artista e spettatore: un silenzioso incoraggiamento a osservare la propria immagine, ad abitare la lentezza, a tracciare se stessi nello stesso tempo sospeso.

Se cestini e ritratti evocano pratiche di struttura e auto-osservazione, i batik introducono un contenitore più sfuggente, costruito attraverso l'assenza. Creato con tecniche di resistenza, il batik emerge tanto da ciò che viene trattenuto quanto da ciò che viene rivelato. La cera blocca la tintura e l'immagine emerge attraverso atti di negazione stratificati. È un contenitore di un processo, dove controllo e flusso si intrecciano.

In queste opere, Buck torna ripetutamente all'idea del recipiente. Non è un oggetto statico, ma un luogo di trasformazione. Sono contenitori di intimità, di solitudine, di silenziosa attenzione. Non gridano. Chiedono di essere penetrati lentamente.

Riccardo Buck è nato e cresciuto a Treviso.
Ha studiato pittura all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano e parallelamente composizione musicale a Treviso.
Per la tesi ha indagato le corrispondenze tra musica e pittura nel XX secolo, sperimentando la possibilità di una traduzione tra le due.
A Berlino ha conseguito un master in Antropologia Visiva e dei Media presso la Freie Universität.
Dipinge con la tecnica del batik su carta, I suoi quadri non sono oggetti statici, ma un luogo di trasformazione. Sono contenitori di intimità, di solitudine, di silenziosa attenzione. Non gridano. Chiedono di essere penetrati lentamente.
Buck attualmente vive e lavora a Venezia.

https://www.riccardobuck.com/

Ilaria Di Emidio
Fango

Ilaria Di Emidio (Teramo, 1990) si distingue tra la moltitudine degli artisti contemporanei
per lo spirito indipendente con cui opera ai margini del mainstream, e certamente per la
complessità ed eterogeneità del suo fare.
Il suo lavoro dimostra infatti una coerenza sorprendente, considerando l’insieme dei
linguaggi e delle pratiche con cui si esprime: tra disegni, fumetti e sculture fermentano
scorci fotografici e oggetti quotidiani, cineserie, intrecci di lane e cordini. Nel migliore
dei casi – magari con la scusa di presentare un libro – tutto collima in performances di
rara freschezza, che hanno il sapore delle feste in maschera a casa di amici, di salsa
agrodolce e di antichi cantastorie, di mercatini delle pulci, di teatri per bambini che non
vedono la necessità di ingrigire nel tempo. Allo stesso modo anche l’immaginario di
Ilaria somiglia a un entropico crogiolo in cui gli ingredienti germinano come
microrganismi in una pozza di brodo primordiale, trasfigurando sullo sfondo di scenari
medievali o distopici, di culture underground e folklore italiano, di storie da Mille e una
Notte e dei luoghi più comuni del nostro contemporaneo.
Dalla parete domestica allo schermo dello smartphone, dal pennarello al pennello, non
c’è cosa per Ilaria che non possa diventare il mezzo di fortuna per raccontare una
storia. E se nel disegno è capace di abbandonarsi al più estemporaneo e divagante
flusso dei pensieri, non è un forse caso che nell’approccio alla scultura il suo talento si
chiarifichi in modo più bilanciato e completo. Abitando con naturalezza i tempi e gli
spazi delle fasi di lavorazione della ceramica, Ilaria arriva a forme estremamente
sintetiche e dense di personalità, nei singoli frammenti – festose figurine a tutto tondo,
deliziosi ravioli zoomorfi, o mattonelle dipinte – come nelle composizioni di più
elementi.
I personaggi di Ilaria ci parlano, ci impongono di ascoltare i loro commenti taglienti, le
loro paturnie quotidiane, le loro acute e improbabili teorie. A volte la loro apparenza
sembra voler accarezzare il kitsch e il decorativo come per il gusto di eroderne le
fondamenta, rivelando in questo un’attitudine libera e autentica, nel segno di una
profonda sensibilità per la materia, che dall’artista esige fiducia e pazienza.
Lo sguardo di Ilaria è certamente aperto, nell’accoglimento dell’imperfezione
essenziale che disegna il mondo dentro e fuori di ognuno di noi. La sua arte è quella di
immergersi come un anfibio nel fango e coglierne le perle senza giudicarle, inciderle
poi con la sottile lama dell’ironia, ricucirle con amore in un abito-famiglio che si
appiccichi a noi come un grillo parlante, per sussurrarci all’orecchio le meraviglie della
contaminazione, degli intrugli e dei cerotti, degli amori improbabili tra gli austeri
paesaggi naturali e le discariche di periferia, tra l’asfalto e le pozzanghere, tra il vento e
il glicine.

Iacopo Pesenti
Morbegno (SO)
16 maggio 2025

Ilaria Di Emidio nasce e vive in Abruzzo, dove cresce.
Nelle immagini e nelle parole che scrive e disegna cerca una continua metamorfosi di senso, creando dei mondi dove stare. Esplora la materia come una sostanza che cambia sempre.
Per realizzare i suoi libri ha collaborato con Enter Press e Frankenstein Magazine; per realizzare le sculture di ceramica si appoggia a Ossido Studio, a Pescara.

Termina la mostra _uno zero_ con una seconda apertura, il resto del Vernissage.

Ci sarà la performance "reliquie" che parla di equilibrio, un' equilibrio di qualcosa al di fuori di noi, tra di noi: le delicate menzogne che ci uniscono e che per il peso ad un certo punto cadono.

In occasione della prima apertura, il 17 Aprile, sono state scelte 21 piastrelle tra le 195 di "ho toccato terra".
MarinA le ha autenticate con le impronte di diverse parti del corpo, utilizzando le possibili unioni dei colori primari: verde, arancio e viola. Le ha consegnate in una busta con la dicitura uno di ventuno.
Il 22 Aprile si potranno scegliere le altre 21, quelle che servono per arrivare alla completezza della risposta fondamentale sulla vita, sull’universo e tutto quanto: 42.
Queste faranno parte del gruppo " uno di tutto quanto" e verranno autenticate di rosso. L'Amore.

_uno zero_ cerca il centro nella tempesta, la base minima per sperimentare l’equilibrio, sempre.

Con questa mostra MarinA celebra dieci anni ed inaugura PRIMOPIANO.

Uno zero, le sue cifre in questo momento, segni unici del sistema binario.
Ipotesi di valore non nullo, insieme vuoto e permeato di vita. Il livello più basso con potenziale massimo, uno stato interiore di assenza benefica, calma. La sublime inquietudine di esserci, sparendo. 1 punto 0 punto

Per caso, non a caso, MarinA incontra l’esagono, uno zero a sei facce, simbolo in tutte le tradizioni associato alla vita e alla creazione, schema di equilibrio tra le forze, emblema di armonia e completezza degli opposti in relazione. Un augurio, un coriandolo azzurro, pioggia di cielo e leggerezza.

MarinA crea al limitare delle forze, delle situazioni e dei significati, attingendo a quell’oceano-mare di energia sottostante ogni punto dell’universo che la fisica quantistica definisce come Energia di Punto Zero (ZPE) equivalente all’essenza stessa del vuoto.

a PRIMOPIANO MarinA tocca terra, fa i conti su dove si trova e arriva a metà della risposta fondamentale sulla vita, sull’universo e tutto quanto: 21.
Confrontandosi con le sue inadeguatezze e nominando un certo imbarazzo professionale, si alza e procede.

Sarà possibile acquisire i pezzi di "ho toccato terra", ritoccati da un atto performativo, per l’ovvia cifra di 10 euro l'uno.

MarinA nasce a Monaco di Baviera nel 2015 da una collaborazione Italo-Tedesca.
Dal tocco gentile tra uno scotch di carta ed un naso, durante un esperimento telepatico con se stessa MarinA dice le sue prime parole: "si", "no". Poi rotola su per le scale, nuota su una sedia rossa, cammina in obliquo e trova 33 quadrifogli. Disegna mappe e urla alfabeti, scolpisce corvi e lancia pietre, una, grande.
La sua pratica artistica vuole scoprire ed esprimere nuovi concetti di corpo e linguaggio in livelli inesplorati di comunicazione ed equilibrio.
Il futuro non smette di attenderla.